Die Idee über dieses Thema mit einem historischen Fokus zu schreiben habe ich mal wieder Dirk Primbs (Fotomenschen) zu verdanken. Er ist auf die Idee gekommen mal zu recherchieren, wer als Erste(!) auf die Idee gekommen ist, Street-Art photographisch festzuhalten. Das ist nämlich nochmal ein ganz anderer Stiefel als Street-Art zu machen. Einerseits ist Street-Art von Anfang an als temporäre Kunst gedacht, ja das Verblassen, Übersprühen oder der Abbruch der Wände ist letztlich mit einkalkuliert. Insofern widerspricht das Festhalten eigentlich dem ursprünglichen Impuls. Andererseits ist es, gerade weil es eine so vergängliche Kunstform ist, ein verständliches Bedürfnis die Kunstwerke festzuhalten, bevor sie wieder verschwinden. Ähnlich wie das auch um dieselbe Zeit entstandene Festhalten von Happenings, Performances und Fluxus Art auf Bild oder Film.
Ich habe mir diesmal, entgegen meiner Aversion, den KI-Maschinen gegenüber, das Material für den Artikel von DeepSeek R1 (über Perplexity) zusammentragen lassen. Lasst es mich wissen, wenn ihr findet, dass meine Schreibe deswegen nach KI riecht.
Wir starten in New York. Die Wurzeln der New Yorker Streetart reichen in die 1960er-Jahre zurück, als soziale Spannungen und urbane Vernachlässigung Jugendliche dazu trieben, sich durch Tagging Gehör zu verschaffen. Pioniere wie “TAKI 183” prägten die Szene, indem sie U-Bahn-Waggons und Wände mit ihren Pseudonymen markierten. In den 1970ern wurde Graffiti zum Symbol des Widerstands. Künstler wie “COCO 144” und “Phase 2” erweiterten das Tagging zu komplexen Wildstyle-Letterings, die mit Farbverläufen und 3D-Effekten experimentierten. Die Subway-Systeme verwandelten sich in rollende Galerien, während die Stadt versuchte, die Bewegung durch Anti-Graffiti-Gesetze zu unterdrücken, fing eine Frau an die rollenden Galerien zu photographieren. Erst noch ohne besondere Absichten. „Martha Cooper“ gilt als Pionierin. In den 1980er-Jahre dokumentierte sie Graffiti-Kultur und Hip-Hop-Szene. Ihre Fotos der U-Bahn-Bemalungen gelten als Schlüsseldokumente der New Yorker Street-Art-Entwicklung und ihr Buch Subway Art (1984, mit Henry Chalfant) wurde zu einer Art Stil-Bibel für Sprayer weltweit. Aber hört euch diese Geschichte lieber mal im Fotomenschen-Podcast an, wo sie sehr spannend erzählt wird. Als andere Namen in diesem Genre der Photographie könnte man noch „Richard Sandler“ nennen, der mit sozialkritischem Blick die Wechselwirkung zwischen Street-Art und Gentrifizierung in NYC festhalten konnte. Inspiriert von Garry Winogrand, fokussierte er auf Alltagsszenen vor Wand füllenden Murals. “Clayton Patterson” dokumentierte den Übergang von illegalen Tags zu legalen Wandbildern im East Village.
Während Cooper und Chalfant die Vergänglichkeit der U-Bahn-Kunst einfingen, dokumentieren moderne Akteure wie „Luna Park“, wie Street-Art zum Treiber städtischer Imagekampagnen wurde. Luna Park folge ich auf flickr schon seit mehr als zehn Jahren und habe sie auch gelegentlich dazu bewegen können, Bilder zu der von mir gegründeten Street-Art-Gruppe „A Writing on the Wall“ beizutragen.
Von New York habe ich keine eigenen Street-Art-Bilder. Ich war zwar mal kurz in New York, da haben mir aber die beschmierten U-Bahn-Wägen eher Angst gemacht und wir sind schnell in den nächsten Greyhound gestiegen.
Nächste Station ist London. Dort begann die Streetart-Kultur in den 1960ern mit subversiven Texten und poetischen Botschaften, die als Reaktion auf die Pariser Mai-Unruhen entstanden. Frühe Werke wie „Clapton Is God“ unter der Westway-Autobahn markierten den Startpunkt. Die 1980er sahen den Einfluss New Yorks durch Künstler wie „Futura 2000“, der mit der Band The Clash zusammenarbeitete. Parallel entwickelte sich eine eigenständige Londoner Ästhetik, die weniger auf Buchstabenkunst als auf politische Botschaften setzte. In den 1990ern entstanden legale Flächen im Stadtteil Shoreditch, wo Streetart zum Treiber der Gentrifizierung wurde. Die Geschichte von Banksy, der ja nicht selten in London seine Spuren hinterlassen hat, möchte ich hier eigentlich nicht erzählen. Zumal es inzwischen in jeder größeren Stadt Shows mit Banksy -Kopien gibt.
Heute ist London ein Knotenpunkt der europäischen Streetart-Szene. Brick Lane und Camden beherbergen wandfüllende Murals, während soziale Medien die Sichtbarkeit der Kunst erhöhen. Trotz teilweiser Illegalität fördert die Stadt gezielt Projekte wie das London Mural Festival).
An Photographen, die in London den Job des Dokumentierens übernommen haben, möchte ich nur einen erwähnen: Nico Goodden porträtiert Werke von „Banksy“, „Stik“ und „Ben Eine“. Seine Fotos betonen die Integration von Street-Art in historische Fassaden, etwa in Shoreditch und Camden.
Bei einem meiner Besuche in London in den frühen 10er Jahren bin ich auch durch den Leak Street Tunnel geschlendert und habe ein paar Bilder gemacht. Hier können sich Street Art Künstler austoben und vor allem ihr Können zeigen. Es ist ein lebendiger Ort, weil sich das Bild durch das Übersprühen dauernd ändert. Auf einer Fahrt mit dem Zug durch eine der Vorstädte habe ich die Antwort auf alle Fragen des Universums entdeckt, die auf eine Wand gesprüht war (siehe ganz unten).
Once again, I have Dirk Primbs (Fotomenschen) to thank for the idea of writing about this topic with a historical focus. He came up with the idea of researching who was the first(!) to come up with the idea of photographing street art. That’s a completely different kettle of fish to making street art. On the one hand, street art is conceived as temporary art from the outset; indeed, the fading, over-spraying or demolition of the walls is ultimately included in the calculations. In this respect, holding on to it actually contradicts the original impulse. On the other hand, precisely because it is such a transient art form, there is an understandable need to hold on to the artworks before they disappear again. Similar to the way happenings, performances and Fluxus art were captured on film or image around the same time.
This time, despite my aversion to AI machines, I had the material for this article collected by DeepSeek R1 (through Perplexity) . Let me know if you think my writing reeks of AI because of this.
We start in New York. The roots of New York street art go back to the 1960s, when social tensions and urban neglect drove young people to make their voices heard through tagging . Pioneers like “TAKI 183” shaped the scene by tagging underground cars and walls with their pseudonyms. In the 1970s, graffiti became a symbol of resistance. Artists such as “COCO 144” and “Phase 2” expanded tagging into complex wildstyle lettering that experimented with colour gradients and 3D effects. The subway systems turned into rolling galleries, while the city tried to suppress the movement with anti-graffiti laws, a woman started photographing the rolling galleries. Without any particular intention at first. ‘Martha Cooper’ is considered a pioneer. In the 1980s, she documented graffiti culture and the hip-hop scene. Her photos of underground paintings are considered key documents in the development of New York street art and her book Subway Art (1984, with Henry Chalfant) became a kind of style bible for sprayers worldwide. But you’d better listen to this story in the Fotomenschen podcast (german), where it is told in a very exciting way. Other names in this genre of photography include ‘Richard Sandler’, who captured the interaction between street art and gentrification in NYC with a socially critical eye. Inspired by Garry Winogrand, he focussed on everyday scenes in front of wall-filling murals. Clayton Patterson documented the transition from illegal tags to legal murals in the East Village.
While Cooper and Chalfant captured the ephemeral nature of underground art, modern artists such as ‘Luna Park’ document how street art has become a driver of urban image campaigns. I have been following Luna Park on flickr for more than ten years and have occasionally been able to persuade her to contribute images to the street art group I founded, ‘A Writing on the Wall’.
I don’t have any street art pictures of my own from New York. I was briefly in New York once, but the graffitied underground cars scared me, and we quickly hopped on the next Greyhound.
Next stop is London. Street art culture began there in the 1960s, with subversive texts and poetic messages that were created as a reaction to the May Day riots in Paris. Early works such as ‘Clapton Is God’ under the Westway motorway marked the starting point. The 1980s saw the influence of New York through artists such as ‘Futura 2000’, who collaborated with the band The Clash. At the same time, an independent London aesthetic developed that focussed less on letter art and more on political messages. In the 1990s, legal spaces were created in the Shoreditch neighbourhood, where street art became a driver of gentrification. I don’t really want to tell the story of Banksy, who has often left his mark in London. Especially as there are now shows with Banksy copies in every major city.
Today, London is a hub of the European street art scene. Brick Lane and Camden are home to wall-sized murals, while social media increases the visibility of the art. Despite being partially illegal, the city specifically promotes projects such as the London Mural Festival).
Of the photographers who have taken on the job of documenting in London, I would like to mention just one: Nico Goodden portrays works by ‘Banksy’, ‘Stik’ and ‘Ben Eine’. His photos emphasise the integration of street art into historic facades, for example in Shoreditch and Camden.
During one of my visits to London in the early 10s, I also strolled through the Leak Street Tunnel and took a few pictures. This is where street artists can let off steam and, above all, show off their skills. It’s a lively place because the image is constantly changing as it is sprayed over. On a train journey through one of the suburbs, I discovered the answer to all the questions of the universe sprayed on a wall (see below).
Auch Paris spielte eine Schlüsselrolle in der Entwicklung der Streetart, die sich durch frühe politische Wurzeln, innovative Techniken und internationale Ausstrahlung auszeichnet. Die Stadt entwickelte ab den 1960er-Jahren eine eigenständige Szene, die sich deutlich von der New Yorker Graffiti-Kultur abhob.: Die stencilbasierten Arbeiten von „Ernest Pignon-Ernest“ in den 1960ern (z. B. das berühmte „Rimbaud“-Porträt) gelten als Vorläufer der Streetart. Künstler wie „Guy Debord“ (situationistische Internationale ) nutzte schon Wandparolen wie „Arbeite nie“ als politische Protestformen.
Studentenproteste im Mai 68mit revolutionären Parolen an Hauswänden etablierten Graffiti als Mittel des Widerstands. Am bekanntesten wurde der Spruch „Sous les Paves, la Plage“ (Unter dem Pflaster liegt der Strand), den man sowohl als romantische Träumerei als auch als Aufforderung verstehen konnte, die Polizei mit Pflastersteinen zu bewerfen.
„Blek le Rat“ begann 1981 mit Schablonen-Graffitis, darunter seine ikonischen Ratten („Die einzigen freien Tiere der Stadt“). Seine lebensgroßen Stencils inspirierten später „Banksy“ und prägten die europäische Streetart. „Jérôme Mesnager“ schuf 1983 das Symbol des „weißen Mannes“ („L’homme en blanc“), das bis heute in Paris zu finden ist. Seit den 1990ern prägt der „Invader“ Paris mit pixelartigen Mosaiken, inspiriert vom Arcade-Spiel Space Invaders. Trotz teilweiser Illegalität fördert die Stadt gezielt Kunst im öffentlichen Raum, etwa im 13. Arrondissement oder entlang des Canal de l’Ourcq. Projekte wie das M.U.R (Modulable Urbain Réactif) in Oberkampf schufen ab den 2000ern legale Flächen für Wandgemälde. Heute gilt Paris als europäische Hauptstadt der Urban Art, die historisches Erbe mit zeitgenössischen Strömungen verbindet. Wer sich tiefer mit Street-Art in Paris auseinandersetzen will, dem empfehle ich die hervorragenden Blog-Beiträge von „WolfParisBlog“. Dies ist nur der neueste seiner Beiträge zum Thema.
Einem der großartigsten Street-Art Künstler aus Frankreich, der zugleich auch noch Photograph ist, sind wir auf diesem Blog schon begegnet. JR (Jean-René ), wurde 1983 in Paris geboren. Er begann mit 15 Jahren Graffiti zu sprayen und entwickelte später seinen charakteristischen Stil, großformatige photographierte Schwarz-Weiß-Porträts an Gebäuden und öffentlichen Plätzen anzubringen. Seine Projekte wie “Portraits of a Generation” in Paris im Jahr 2007 haben die Street-Art auf eine neue Ebene gehoben.
Selbst habe ich in Paris verschiedenste Wandspuren festgehalten. Aber hauptsächlich bin ich den Spuren von „C215“ (Christian Guémy) gefolgt, der einer meiner Lieblings Stencil-Künstler ist, obwohl er schon sehr etabliert ist und z.B. als ich in Paris war, rund um das Pantheon eine Serie von Portraits von Persönlichkeiten auf diverseste Untergründe gesprüht hat, von denen er denkt, dass Sie mehr Beachtung verdient hätten. Einige seiner Werke habe ich hier schon veröffentlicht.
Paris also played a key role in the development of street art, which is characterised by its early political roots, innovative techniques and international appeal. From the 1960s onwards, the city developed an independent scene that clearly stood out from New York’s graffiti culture: the stencil-based works of ‘Ernest Pignon-Ernest’ in the 1960s (e.g. the famous ‘Rimbaud’ portrait) are considered the forerunners of street art. Artists such as ‘Guy Debord’ (Situationist International) were already using wall slogans such as ‘Never work’ as forms of political protest.
Student protests in May 68 with revolutionary slogans on house walls established graffiti as a means of resistance. The most famous of these was the slogan ‘Sous les Paves, la Plage’ (Under the pavement lies the beach), which could be understood as both a romantic reverie and a call to throw paving stones at the police.
‘Blek le Rat‘ began in 1981 with stencil graffiti, including his iconic rats (’The only free animals in the city”). His life-size stencils later inspired ‘Banksy’ and shaped European street art. In 1983, ‘Jérôme Mesnager’ created the symbol of the ‘white man’ (‘L’homme en blanc’), which can still be found in Paris today. Since the 1990s, the ‘Invader’ has characterised Paris with pixel-like mosaics inspired by the arcade game Space Invaders. Despite being partially illegal, the city specifically promotes art in public spaces, for example in the 13th arrondissement or along the Canal de l’Ourcq. Projects such as the M.U.R (Modulable Urbain Réactif) in Oberkampf created legal spaces for murals from the 2000s onwards. Today, Paris is regarded as the European capital of urban art, combining historical heritage with contemporary trends. If you want to delve deeper into street art in Paris, I recommend the excellent blog posts by ‘WolfParisBlog’. This is just the latest of his posts on the subject.
We have already met one of the greatest street artists from France who is also a photographer on this blog . JR (Jean-René ), was born in Paris in 1983. He began spraying graffiti at the age of 15 and later developed his characteristic style of applying large-format photographed black and white portraits to buildings and public places. His projects such as ‘Portraits of a Generation’ in Paris in 2007 took street art to a new level.
I myself have captured various wall traces in Paris. But mainly I followed the traces of ‘C215’ (Christian Guémy), who is one of my favourite stencil artists, although he is already very established and, for example, when I was in Paris, sprayed a series of portraits of personalities on various surfaces around the Pantheon, which he thinks deserve more attention. I have already published some of his works here.
Last but not least, Berlin. Die Geschichte der Streetart in Berlin ist eng mit politischem Protest, kulturellen Bewegungen und der Transformation des Stadtraums verbunden. In West-Berlin nutzten ausgegrenzte Gruppen wie Punks und Migranten Streetart zur Selbstbehauptung. Politische Botschaften an Brandwänden und der Berliner Mauer (westliche Seite) prägten das Stadtbild der 1970er Jahre. Die Botschaften des Sendermannes, von denen ich an anderer Stelle schon berichtet habe, bilden eine bemerkenswerte Randerscheinung im Schlepptau dieser Wand-Botschaften. 1984 entstand das erste legale Großmural West-Berlins am „Checkpoint Charlie“, das eine öffentliche Diskussion über Kunstfreiheit anstieß. Internationale Künstler wie Keith Haring gestalteten die Mauer im Kreuzberger Abschnitt – ein Symbol für kreativen Widerstand. Graffiti an S- und U-Bahn-Waggons wurden zum Markenzeichen, inspiriert von New Yorks Subway-Kultur.
Nach der Wiedervereinigung entstand auf einem 1,3 km langen Mauerrest das weltweit längste Open-Air-Kunstwerk, die „East Side Gallery“. 118 Künstler aus 21 Ländern (u. a. Dmitri Vrubel mit „Der Bruderkuss“) schufen ikonische Friedensmotive.
Trotz starker Institutionalisierungstendenzen bleibt Berlin ein Labor für urbane Kunst – von den subversiven Wurzeln der 1970er bis zur hybriden Koexistenz von Rebellion und Kommerz heute.
Photographische Chronisten vor allem der Mauer-Graffiti waren z.B. „Jürgen Große“, der seit Jahren systematisch Berlins Street-Art-Szene, insbesondere in vernachlässigten Räumen wie Hinterhöfen und Brachflächen dokumentiert. Sein Buch Urban Art Photography zeigt die Vergänglichkeit der Werke im Zusammenspiel mit der Stadtarchitektur.
„Ruedi One“ , der ehemalige Graffiti-Writer kombiniert Insiderwissen mit fotografischem Handwerk. Seine schwarz-weißen Arbeiten fangen die Risikobereitschaft der Szene ein – dokumentiert in Berlin, Hamburg und globalen Hotspots wie São Paulo.
Selbst habe ich in Berlin keinen besonderen Fokus in der Street-Art gehabt, sondern immer, wenn ich da war und immer wenn ich was entdeckt habe, draufgehalten. Einiges davon ist sehenswert.
Last but not least, Berlin. The history of street art in Berlin is closely linked to political protest, cultural movements and the transformation of urban space. In West Berlin, marginalised groups such as punks and migrants used street art to assert themselves. Political messages on firewalls and the Berlin Wall (western side) characterised the cityscape of the 1970s. The Sendermann’s messages, which I have already reported on elsewhere, are a remarkable peripheral phenomenon in the wake of these wall messages. In 1984, West Berlin’s first legal large-scale mural was created at ‘Checkpoint Charlie’, which triggered a public discussion about artistic freedom. International artists such as Keith Haring designed the wall in the Kreuzberg section – a symbol of creative resistance. Graffiti on S-Bahn and U-Bahn carriages became a trademark, inspired by New York’s subway culture.
After reunification, the world’s longest open-air artwork, the ‘East Side Gallery’, was created on a 1.3 kilometre stretch of the Wall. 118 artists from 21 countries (including Dmitri Vrubel with ‘The Brotherly Kiss’) created iconic peace motifs.
Despite strong institutionalisation tendencies, Berlin remains a laboratory for urban art – from the subversive roots of the 1970s to the hybrid coexistence of rebellion and commerce today.
Photographic chroniclers of the Wall graffiti in particular were, for example, ‘Jürgen Große’, who has been systematically documenting Berlin’s street art scene for years, especially in neglected spaces such as backyards and derelict areas. His book Urban Art Photography shows the transience of the works in interaction with urban architecture.
‘Ruedi One’, the former graffiti writer combines insider knowledge with photographic craftsmanship. His black and white works capture the scene’s willingness to take risks – documented in Berlin, Hamburg and global hotspots such as São Paulo.
I didn’t have a particular focus on street art myself in Berlin, but I always took pictures when I was there and whenever I discovered something. Some of it is worth seeing.
Zum Schluss noch zwei Photographen, auf die ich ohne die AI-Suchmaschine nicht gekommen wäre und die eher global operieren. Der Italiener „Alex Fakso“ dokumentiert Nachtaktionen von Graffiti-Crews in Metropolen wie Tokyo und Barcelona. Seine Low-Light-Aufnahmen mit Langzeitbelichtung visualisieren die Hektik illegaler Sprayaktionen. Mit Projekten wie Major City/100 City erforscht „Jonathan Jasberg“ urbane Narrative von Kairo bis Osaka, wobei Street-Art als Indikator für kulturelle Identität dient.
Finally, two photographers that I would not have come across without the AI search engine and who tend to operate globally. The Italian ‘Alex Fakso’ documents night-time actions by graffiti crews in metropolises such as Tokyo and Barcelona. His low-light shots with long exposures visualise the hectic pace of illegal spray-painting. With projects such as Major City/100 City, ‘Jonathan Jasberg’ explores urban narratives from Cairo to Osaka, using street art as an indicator of cultural identity.
Ehrlich gesagt, erschlägt mich die Dichte des Materials/Textes etwas. Mag sein, dass das am “Geruch” der KI liegt 😉
Ja, da ist was dran. Man kommt in so ‘ne Art Info-Rausch und packt dann alles rein, was einem wichtig erscheint. Was nicht heißt, dass ich nicht auch einiges weggelassen habe, weil es mir nichts gesagt hat oder mir zu viel war 🙂
Das ist ordentlich viel Material, danke dafür.
Ich hatte auch schon über Graffiti berichtet, eines dieser Graffiiti ist gerade den Bach heruntergegangen, da eine alte Industriezone abgerissen wurde.
Eine Auftragsmalerei an einer ufr. Schule von Dieter Stein, der gerade in Würzburg gezeigt wird, muß zum zweiten Mal gerettet werden. Zwar war das kein Graffiti, sondern ungegenständliche Malerei der 60er, aber kann doch m.e. als solche durchgehen.
Das Foto des Graffiti mit den Richtungspfeilen finde ich sehr frisch. Überhaupt gewinnt manches Beispiel erst beim zweiten Blick.